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예술의 전당

집 앞에서 차에 시동을 걸고 출발하면, 예술의 전당 주차장까지 딱 30분 걸린다. 30분은, 음악회에 대한 기대와 설렘을 음미하며 운전하기에 적당한 시간이다. 성남 아트센터에게는 좀 미안하지만, 예술의 전당이 생활권 내에 있다는 것은 참 고마운 일이다.

공연 시간에 늦지 않기 위해, 평소보다 조금 이른 저녁을 들고 여유롭게 출발했다. 주말에도 막히는 일이 없는 171번 국도를 타고 양재로 빠져나오니, 예술의 전당이 금방이었다. 조금 일찍 도착한 덕분인가, 주차 공간도 여유로웠다. 공연 시작까지 시간이 꽤 남아서, 선선한 바람을 쐬며 걷기도 하고, 흘러나오는 음악을 감상하며 분수도 구경하다가, 로비에 들어가서는 3,000원을 주고 산 프로그램북을 꼼꼼히 읽어보기도 했다. 프로그램북을 살펴보니, 일전에 내가 구한 프로그램 목록과는 꽤 차이가 있었다. 오늘 공연만 하더라도 서곡이 로시니의 곡에서 이인식 작곡가의 ‘오케스트라를 위한 문경새재’라는 알 수 없는 곡으로 바뀌어 있었다.

로비 안은 사람들로 붐볐다. 교향악 축제인 만큼 여느 때보다 가족 단위의 관객들이 많은 듯했다. 악기를 짊어지고 있는 어린 학생들의 모습도 자주 보였다. 카페에서 커피나 한 잔 마실까 했지만, 이미 앉을 자리도 없을 만큼 사람들로 가득 들어차 있어서 포기했다.

오케스트라를 위한 문경새재

대학교 4학년 때, 교양 강좌인 ‘음악 감상’ 강의를 들었다. 그때 강의 과제로 오케스트라 연주회를 보고 감상문을 제출해야했는데, 내가 택한 공연은 힐러리 한과 함께 내한한 밴쿠버 심포니 오케스트라의 연주회였다. 그날 연주회에서는 현대 작곡가의 곡이 서곡으로 연주되었는데, 제목은 ‘The Linearity of Light’였다. 후에 과제로 제출한 감상문에서 나는 이 곡의 연주에 대해 다음과 같이 언급했다.

제목이 암시하고 있는 것처럼 이 곡은 ‘빛’에서 영감을 받아 작곡한 곡이다. 따라서 감상의 포인트는 역시 빛이 전달하는 감각을 얼마나 청각 신호로 잘 치환시켰느냐가 될 터였다. 높고 낮은 음정, 빠르게 상승하거나 하강하는 음렬, 분산 화음 등이 우리의 감각 체계에 전달하는 자극은 분명 빛의 그것과 유사한 점이 있다. 그만큼 이 곡은 색채감이 풍부하고 빛의 느낌으로 가득했지만, 안타깝게도 모든 곡이 그러하듯, 한 번 들어서는 곡의 의미나 가치를 충분히 이해할 수 없었다. 그리고 현대 작곡가들의 가장 큰 비극이라면, 자신의 곡이 같은 청중과 두 번 이상 만날 가능성이 거의 없다는 것 아니겠는가.

당시 ‘음악 감상’ 강의를 진행하던 교수는 작곡가였다. 나중에 돌려받은 감상문에는 “자신의 곡이 같은 청중과 두 번 이상 만날 가능성이 거의 없다는 것”부분에 ‘agree’라는 단어가 적혀있었다.

청중에게 두 번 이상 들려줄 기회를 거의 갖지 못 하는 것. 그것이 많은 현대 작곡가들이 놓인 처지이다. 음악 감상 교수는, 이런 곡들도 언젠가는 클래식이 될 수 있을 거라며 낙관적인 전망을 했다. 과연 그럴까? 나는 가끔 의문이 든다. 오늘날 우리 세대가 한 세기 후의 사람들에게 문화적으로 무엇을 남겨줄 수 있을지 말이다. 어쩌면 우리는 인류 역사상 최초의 문화적 공백기에 살고 있는 건지도 모르겠다.

과거를 치르기 위해 험준한 문경새재를 넘어 한양으로 향하는 옛날 선비들의 꿈과 희망을 재조명하려 했다고 한다. 그러나 바순이 낮은 음으로 집요하게 반복하는 리듬만이 잠시 뇌리에 머물었을 뿐, 이내 이 곡은 머릿속에서 지워져버리고 말았다. 난생 처음 듣는 곡에서 감동을 받는 일은 충분히 있을 수 있지만, 어떤 곡이든 한 번 듣고 그것을 이해한다는 것은 불가능하다. 이 곡에 서린 한국적 정서와 작가의 의도를 읽어 낼 새도 없이 곡은 끝나버렸고, 그것을 다시 시도할 기회는 좀처럼 주어지지 않을 것이다.

브루흐 바이올린 협주곡

막스 브루흐. 어쩌면 그는 불행한 작곡가일지도 모르겠다. 그의 불행이 현재 진행형이라는 점에서 더더욱. 그는 모차르트나 슈베르트처럼 젊어서 요절하지도 않았고, 슈만처럼 정신병을 앓거나 차이코프스키처럼 남모를 비극을 떠안고 살지도 않았다. 그러나 그는 이들보다 훨씬 덜 중요한 작곡가로 여겨진다. 브루흐는 살아서 자신의 한계를 느껴야 했고, 죽어서도 그 입장은 크게 달라지지 않았다. 그런 그가 세상에서 가장 자주 연주되는 바이올린 협주곡을 남겼다는 것이, 브루흐라는 작곡가에게 축복인지 저주인지 모르겠다. 브루흐는 이 바이올린 협주곡으로 말미암아 영원한 생명력을 얻었지만, 살아서도 죽어서도 이 한 곡에 얽매여 있다.

브루흐는 1832년에 태어나 1920년에 죽었다. 무려 90세 가까운 장수를 누린 것이다. 브루흐는 30대 중반의 나이에 바이올린 협주곡 1번을 완성했다. 사실상 이 곡이, 그의 작곡가로서의 정점이었다. 그는 이후로도 교향곡, 현악 사중주, 오페라, 오라토리오 등 많은 장르의 곡들을 썼지만 당대의 청중들에게도, 후대의 청중들에게도 외면을 받았다. 브루흐는 심지어 바이올린 협주곡도 두 곡이나 더 썼다. 그러나 사람들은 그 곡들의 존재마저 잊어버린 듯, 그의 1번 협주곡을 바이올린 협주곡을 단 한 곡만 쓰고 죽은 다른 작곡가들의 작품처럼 ‘브루흐 바이올린 협주곡’이라고 부른다.

클라라 주미 강

힘이 대단했다. 소리는 더 다듬어질 여지가 있어 보인다. 저돌성은 좋으나, 테크닉적으로는 좀 더 세련될 필요가 있을 것 같다. 하지만 무대 위에서 뽐내는 그 존재감을 보니, 스타가 될 충분한 자질이 있다. 플랫 슈즈를 신고서도 큰 키를 자랑하며 무대 앞으로 성큼성큼 걸어와, 남자 이상의 박력으로 바이올린을 때린다. 그 액션 덕분에 솔리스트의 음향이 한층 더 크게 느껴진다. 그러나 객관적으로 봐서 볼륨이 만족스럽지는 않다. 이건 협주곡의 어쩔 수 없는 성향인가.

관객들의 호응에 힘입어 앙코르 곡을 연주했다. 귀에 익은 곡인데, 제목이 떠오르지 않았다. 무반주의 바이올린 곡이라면 거의 들어보지 않은 곡이 없을 텐데. 집에 들아와서도 한참 동안 그 멜로디가 머릿속을 떠나가지 않았다. 그 규칙적이면서 긴박한 리듬. 음산함을 느끼게 하는 동기……. 무반주 바이올린 곡들을 죄다 재생시켜봤지만 찾을 수 없었는데, 며칠이 지나서야 불현듯 곡목이 생각이 났다. 슈베르트의 ‘마왕.’ 분명 마왕의 멜로디였다. 가곡은 통 듣지를 않으니 잘 기억이 안 날 수밖에. 솔로 바이올린을 위한 편곡 버전이 존재한 것도 몰랐다.

강남 심포니 오케스트라, 쇼스타코비치 5번

TV를 통해서는 자주 접했지만, 직접 연주를 들은 것은 아마 처음일 거다. 국내 유수의 오케스트라들이 총 출동하여 거의 매일 공연을 하는 만큼, 서로 비교 당하기에도 딱 좋은 자리인지라, 오케스트라가 긴장을 하고 연주를 하는 것이 느껴졌다. 진지한 자세로 연주에 임하는 만큼, 나도 진지한 자세로 감상을 했다.

사실 나는 이 날의 연주회에서 온통 협주곡에만 집중하고 있었기 때문에, 연주회 당일 저녁까지 메인 곡이 무슨 곡이었는지도 몰랐다.

쇼스타코비치. 생존 당시 대표적인 사회주의 작곡가로 여겨지며, 한국에서는 그의 곡을 연주하는 것이 금지되기도 했었다. 그의 사후, 친구가 출판한 ‘쇼스타코비치의 증언’이라는 책을 통해 실은 쇼스타코비치가 자유사상과 예술을 억압하는 사회주의 정부에 반감을 지닌 인물이었다는 새로운 주장이 재기됨에 따라, 그는 일약 자유주의 진영의 스타가 되었다. 아직까지도 그의 사상적 정체성에 대해서는 냉전 시절 대립하던 양 진영이 엇갈린 평가를 내리고 있지만, 그의 교향곡 5번은 그런 논쟁을 비웃기라도 하듯 호탕함을 뽐낼 뿐이다.

쇼스타코비치 5번은 7번과 더불어 자주 듣는 곡이지만, 라이브로 듣는 것은 이번이 처음이었다. 사실 3악장 라르고를 이렇게 주의 깊게 들었던 적은 없었던 것 같다. 금관이 배제된 채, 현과 목관에 의해서만 연주되는 선율들은, 마치 폭발을 예비하는 억눌린 내면의 감정을 그려내고 있는 것 같다. 악장 말미에, 곧 숨이 끊어질 듯 겨우 이어지는 현의 소리는 악장을 차분히 정리하고 종결짓기보다는 오히려 긴장감을 최대로 고조시킨다. 이윽고 그 긴장은 4악장의 힘찬 팡파르와 함께 해결된다.

앙코르

문경새재로 막을 올린 연주회는 아리랑으로 끝을 맺었다. 진정한 아리랑은, 70대 할머니가 탁한 목소리로 읊조리듯 부르는 아리랑이다. 그 정서는 결코 수학적으로 계산된 음계와 리듬으로 연주되는 아리랑 속에 담길 수 없다.

2011/04/11 23:48 2011/04/11 23:48
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2011년 교향악축제의 시즌이 다가왔다. 4월 1일 서울시립교향악단의 연주로 막을 열어 4월 20일 부산시립교향악단의 연주로 막을 내릴 때까지 총 18개의 교향악단이 무대에 오른다. 국내 유수의 오케스트라가 총 출동하고, 더불어 국내 유명 연주자 및 장래가 촉망되는 신진 연주자들의 협연도 감상할 수 있는, 그야말로 클래식 애호가로서는 놓칠 수 없는 축제의 장이다. 하지만 군인은 놓치겠지…….

2010 교향악축제 시즌에 나는 진주의 시퍼런 하늘 아래서 점호장과 연병장 위를 굴러다니고 있었다. 실제 공연은 보러갈 수 없었지만, 임관 후에 교향악축제 공연을 줄기차게 방영해 준 Arte TV를 통해 대부분의 공연을 감상했다. 올해는 시간이 허락하는 대로 보러 갈 생각이지만, 뭐? 시간이 허락?

다음은 교향악 축제 일정. 현재는 모든 프로그램이 확정되었지만, 각 오케스트라의 프로그램이 일목요연하게 정리되어있는 표를 달리 찾을 수가 없다. 달력 칸마다 오케스트라 이름을 예쁘게 새겨서 클릭하면 자세한 프로그램을 볼 수 있게 해 놓기는 했다. 디자인의 시대라는데, 겉멋을 좇고 실용성, 편의성은 상실하고 있다.





1. 기대되는 신예 바이올리니스트


  

 





 클라라 주미 강

금번 출연하는 바이올리니스트들 중 가장 많은 주목을 받고 있는 연주자를 꼽자면, 아마 ‘클라라 주미 강’일 것이다. 이미 몇 년 전부터 아는 사람은 아는 기대주였지만, 내 기억으로는 2009년도 쯤 서울국제음악콩쿠르에서 우승하면서부터 인지도가 대폭 상승했다. 이후 각종 국제 콩쿠르에서 입상하고 활발한 연주 활동을 이어가면서 지금은 ‘기대주’에서 ‘스타’의 반열로 발돋움 하고 있는 중이다. 이번에 그녀가 연주할 곡은 브루흐 바이올린 협주곡 1번. 2010년도에 코리안심포니와의 협연으로 브루흐의 스코틀랜드 환상곡을 연주했었다. 그 때는 훨씬 체격(?)이 좋았는데, 이후 다이어트를 했는지 지금은 아주 날씬해졌다.



 

신현수

2008년도 교향악축제 때 들었던 신현수의 시벨리우스 바이올린 협주곡을 잊을 수 없다. 이후 2009년 유베르트 수당이 지휘하는 서울시향과의 협연으로 같은 곡을 연주했을 때에는 한층 더 심도가 깊어진 연주를 들려주었다. 종종 그 미모가 더 회자되기는 하지만, 정말 무게감 있는 연주를 들려주는 실력파 연주자다. 가끔 경쾌한 음악까지 너무 무겁게 연주하는 게 아닌가 싶기도 하지만……. 클라라 주미 강과 묘하게 라이벌 구도를 형성하고 있는데, 작년 대원음악상 시상식 무대에는 이 두 사람이 함께 무대에 올라 사라사테의 곡을 듀엣으로 연주했다. 그때 이 두 사람을 촬영하던 카메라맨들 사이에서 누가 더 예쁘냐를 두고 설전이 벌어졌다는 일화도……. 신현수도 역시 이번 무대에서 브루흐를 연주한다! 바로 스코틀랜드 판타지. 실은 그녀가 연주하는 ‘브루흐 1번’이 더 듣고 싶다. 1악장은 신현수의 연주 스타일과 정말 잘 어울릴 것 같다.




권혁주

음악 외적인 것으로도 주목을 받는 위의 두 바이올리니스트와 달리, 이 투박한 외모의 남자 바이올리니스트는 오직 그의 음악성만으로 주목을 받는다. 서울시향 마스터피스 시리즈에서 연주한 모차르트 4번의 그 또랑또랑한 소리가 인상적이었다. 인터뷰를 보면 엄청난 연습벌레에 완벽주의자인 것 같은데, 음악에 대한 집중력이 대단한 것 같다. 이번에 그가 연주할 곡은 차이코프스키 바이올린 협주곡. 무난하게만 연주해도 박수갈채가 쏟아지는 곡이지만, 개성을 보이기에는 쉽지 않은 선곡일 수도 있다. 좀 더 특별한 차이코프스키 연주가 되기 위한 그 무엇을, 그는 가지고 있을까.

2. 오케스트라 & 지휘자


  

 

서울시립교향악단

대한민국의 대표 오케스트라. 협주곡 없이 프로그램을 구성한 것은 다소 오만 해 보이기까지 한다. 프로그램은 확정되었는데, 드뷔시의 La Mer와 라벨의 La Valse, 그리고 차이코프스키의 교향곡 6번, 비창이다. 드뷔시와 라벨의 선곡은 확실히 의도적인 것 같다. 작년 신년 음악회 때에도 같은 구성으로 프로그램을 짜지 않았나? 그 때는 이 두 곡이 메인이었고, 신현수의 협연으로 차이코프스키 바이올린 협주곡을 연주했었다. 이번에는 메인 곡이 차이코프스키로 바뀌었다. 비창은 최근에 유포니아가 연주한 곡. 연주에 참여한 사람이라면 들으러 가기를 권하고 싶다.

성남시립교향악단, 새 상임 지휘자 임평용

내 고장의 교향악단. 그러나 연주회를 그리 자주 보러 가지는 않았다. 2009년 말, 베토벤 9번을 연주한 송년 음악회는 실망을 안겨줬을 뿐이다. 최근에 성남시향에는 큰 변화가 있었는데, 상임 지휘자가 바뀐 것이다. 앞으로 더 발전된 모습을 보여줄 수 있을지? 특히 이번에는 위에서 언급한 기대주 바이올리니스트 권혁주와 협연을 준비하고 있으니, 더욱 기대가 크다. 하지만 난 역시 몇 달 후에 TV를 통해서나 볼 수 있겠지.

울산시립교향악단, 지휘자 김홍재

내 음악 생활의 원점, 오사카 대학 아마추어 오케스트라. 처음이자 마지막이었던 감격의 연주 무대에서 지휘를 해 준 분이 바로 김홍재 지휘자였다. 유학생이라고는 나 하나밖에 없던 오케스트라의 지휘자가 공교롭게도 한국인이라니. 그러나 연주회가 끝날 때까지 결국 말 한 마디 붙여보지 못 했다. 연습 때 음악적 지시 외에 쓸데없는 말은 일절 하지 않는 과묵한 스타일. 메트로놈처럼 완벽하고 정확하게 타점을 찍는 지휘. 언젠가 한 번은 이 지휘자가 지휘하는 프로 오케스트라의 연주를 꼭 보러 가리라 마음먹었는데, 벌써 수년이 흐르도록 그 다짐은 지켜지지 못 하고 있다. 이번에 울산시향은 스타 첼리스트인 송연훈과의 협연으로 엘가의 첼로 협주곡을 연주하고, 메인으로는 말러 5번을 연주한다. 월요일 연주라 이것도 TV로나 볼 수 있을 전망이다.

3. 프로그램

한국 오케스트라들의 프로그램 구성은 안이하다고밖에 볼 수가 없다. 그나마 익스플로러 시리즈니 마스터피스 시리즈니 여러 기획을 통해 다양한 음악을 선보이려고 노력하는 서울시향 정도가 프로그램 구성에 고심하는 모습을 보여줄 뿐. 가을이면 온통 브람스, 겨울이면 온통 차이코프스키로 프로그램을 짜버리는 건 짜증까지 나게 한다. 재정적으로 여유가 별로 없는 국내 오케스트라들이 조금이라도 더 관객들이 좋아할만한 곡들 위주로 프로그램을 짜는 것이야 어느 정도 이해할 수 있지만, 결국 모든 오케스트라가 비슷비슷한 곡들을 연주하면 차별성이 없어져서 오히려 관객 몰이에 해가 될 뿐이지 않겠는가.

대중들이 클래식과 친숙해질 수 있는 기회인 교향악축제에서 참신한 프로그램 구성을 기대한다는 것 자체가 무리일 수 있지만, 교향악축제의 역사도 벌써 20년이 넘었다. ‘클래식 저변 확대’란 목표는 대체 언제까지 들고 갈 것인가? 이제 점차 지방 연주단체들의 실력도 향상되는 추세이니, 이런 대규모 축제일 수록 고심의 흔적이 역력한 독창적인, 그러면서 설득력 있는 프로그램을 선보임으로써 대중과 클래식 애호가 모두에게 어필할 수 있는 기회로 삼는 것도 필요하지 않은가 싶다.

이번 프로그램의 면면을 살펴보면 역시나 낭만 쪽에 치중되어 있고 간간히 모차르트 등의 고전파 작곡가가 눈에 띌 뿐이다. 현대 작곡가로는 스트라빈스키와 프로코피에프, 쇼스타코비치 등이 이름을 올리고는 있지만 페트루슈카나 교향곡 5번(쇼스타코비치, 프로코피에프) 같이 유명세를 떨친 곡들 위주로만 선곡되어 아쉬움을 남긴다. 스트라빈스키의 곡들이라면 불새나 페트루슈카 말고도 얼마나 다양한 곡들이 있는가? 듣기 편한 곡 중에서 고르자면 E 플랫 교향곡도 자주 연주되지는 않지만 훌륭하다.

전체적으로 보아 듣고 싶은 곡들은 참 많지만, ‘매력적인’ 프로그램은 별로 없다.


2011/03/23 01:20 2011/03/23 01:20